„Vision, Ungewissheit und Wissen über Materialien sind Unvermeidlichkeiten, die alle Künstler anerkennen und daraus lernen müssen: Vision ist immer der Ausführung voraus, Wissen über Materialien ist der Kontakt zur Realität, und Ungewissheit ist eine Tugend.“
David Bayles, in Art and Fear, 1993
David Bayles, in Art and Fear, 1993
The Torment Of Matter ist eine Untersuchung des nuancierten Zusammenspiels zwischen künstlerischer Absicht und der Handlungsmacht der Materie. Diese Ausstellung basiert auf zwei miteinander verbundenen Paradigmen: einem, in dem die Materialität als aktiver Bestimmungsfaktor des thematischen Diskurses angesehen wird, und einem anderen, in dem konzeptionelle Imperative die Materialwahl vorschreiben. Diese Ausstellung untersucht den nuancierten Dialog zwischen künstlerischer Praxis, materieller Präsenz und den philosophischen Implikationen von Medien in der zeitgenössischen Kunst.
Die in dieser Ausstellung zusammengeführten Werke betonen ein gezieltes Engagement mit Material als Ort der konzeptionellen und sensorischen Aushandlung. Indem die inhärenten Eigenschaften der Medien in den Mittelpunkt des künstlerischen Diskurses gestellt werden, lädt die Ausstellung die Betrachter ein, die semiotischen Implikationen und die zugrunde liegende Bedeutung zu untersuchen, die in der Materialwahl eingebettet sind.
Neben der Funktion als bloßes Medium wirken die Materialien als Kräfte, die den kreativen Prozess selbst gestalten. Die Viskosität von Ölfarbe, der Widerstand von Metall, die Zerbrechlichkeit von Papier oder die Unvorhersehbarkeit chemischer Reaktionen stellen die Künstler*innen vor Herausforderungen, die sie dazu zwingen, innerhalb dieser Einschränkungen zu arbeiten oder gegen sie entgegenzuwirken. Durch dieses dynamische Wechselspiel wird der Konflikt selbst zu einem bedeutenden Element des Werkes.
The Torment Of Matter hebt die sich entwickelnde Wechselwirkung zwischen Medium und künstlerischer Absicht hervor und zeigt, wie materielle Einschränkungen kreative Entscheidungen beeinflussen. Sie untersucht das komplexe Netz von Materialwahl, konzeptioneller Absicht und thematischer Tiefe und regt zu einer reflektierteren Auseinandersetzung mit den vielschichtigen Verbindungen an, die die künstlerische Schöpfung prägen. Die Ausstellung betont zudem die transformative Kraft von Künstlern und Künstlerinnen, die rohe Materialien in ausdrucksstarke Werke verwandeln und experimentelle Praktiken als integralen Bestandteil der Erweiterung der Grenzen konventioneller Medien betrachten. Durch die Präsentation von Arbeiten, die mit traditionellen Materialgrenzen umgehen und diese überschreiten, fördert die Ausstellung Gespräche über künstlerische Innovation und Experimentierfreude.
Im Kern beschäftigt sich die Ausstellung mit der Spannung zwischen künstlerischer Kontrolle und den intrinsischen Eigenschaften der Materialien. Die gezeigten Werke enthüllen eine sichtbare Aushandlung zwischen Idee und Medium und demonstrieren, wie die Auseinandersetzung mit Materialität zur künstlerischen Bedeutung beiträgt. Dieser fortlaufende Austausch zwischen narrativer Absicht und physischer Form regt das Publikum an, sich intensiver mit dem kreativen Prozess des Künstlers auseinanderzusetzen und die Komplexität hinter jedem Werk zu entschlüsseln. Die Schöpfung selbst tritt als ein Prozess der Anpassung, des Widerstands und der unerwarteten Entdeckung hervor.
Bis zum 20. Jahrhundert wurden Kunstmaterialien als sekundär im Vergleich zum dahinterstehenden Konzept wahrgenommen. Die Idee oder das Concetto galt als der wichtigste Teil des Werkes selbst. Nach Platons Theorie der Ideen wurde das physische Material als „notwendiges Übel“ betrachtet – ein Mittel, um eine Idee darzustellen, jedoch der am wenigsten bedeutende Teil des gesamten Werkes. Materialien sollten haltbar, aber nicht zu wertvoll sein, um nicht vom Bild abzulenken, das primär durch die Fähigkeit des Künstlers/der Künstlerin, es in seinem Geist zu entwerfen, existierte.
Erst in den letzten Jahren haben Kunstwissenschaftler eine Ikonologie der Materialien entwickelt – ein Verständnis für die Bedeutung von Substanzen in der zeitgenössischen Kunst. Bedeutung ist etwas, das man im Werk selbst begegnet, aber um die ‚Sprache‘ der Materialien zu verstehen, ist eine gründliche Betrachtung der Assoziationsprozesse des Künstlers/der Künstlerin erforderlich. Dies ist nicht immer für den Betrachter unmittelbar erkennbar und könnte eine zusätzliche Studie erfordern, um ein wahres Verständnis zu erlangen. Eine weiterführende Untersuchung des Produktionsprozesses der Materialien und deren Handhabung durch den Künstler/der Künstlerin könnte zusätzliche Tiefe für die Bedeutung eines Werkes bieten.
Zusammenfassend untersucht The Torment Of Matter die symbiotische und oft herausfordernde Beziehung zwischen Künstler*in und Material und bietet Einblicke in das empfindliche Gleichgewicht zwischen Einschränkung und Möglichkeit. Indem es unsere Aufmerksamkeit auf die kreativen Spannungen lenkt, die in der künstlerischen Praxis entstehen, offenbart die Ausstellung einen Raum, in dem Widerstand, Transformation und Anpassung zusammenkommen, um neue Bedeutung zu erzeugen und gleichzeitig die Grenzen der zeitgenössischen Kunst zu erweitern.
Die Erweiterung von Grenzen zeigt sich in der Videoinstallation Weiche Zeit (Soft Time) des Künstlerduos Hennicker-Schmidt. Mit Ton und dem menschlichen Körper als Hauptmaterialien wird das einkanalige Video als Dokumentation eines ortsspezifischen Werks im MaximiliamsForum in München präsentiert. Eine ominöse, von KI generierte Stimme erscheint in Intervallen und erinnert die Teilnehmer an das Potenzial für tiefgreifende Erfahrungen, wobei Technologie als allgegenwärtiges Medium eingeführt wird. In diesem paradoxen Raum zeigt das Meta-Werk die aktuelle Spannung zwischen dem robotisierten Selbst und unserem tief verwurzelten Bedürfnis, zu definieren, was es bedeutet, menschlich zu sein.
Eine Meditation über Zeit, Ort und Erinnerung, Linus Rauchs ortsspezifische Arbeit _yet (Bethanien)_ setzt sich konzeptionell und formal mit der Architektur, Geschichte und Materialität des Ausstellungsraums auseinander. Das Gebäude, das heute das Bethanien Kunstzentrum beherbergt, wurde ursprünglich 1845-47 als Krankenhaus in einer charakteristischen Art von Backstein in Gelb errichtet. Für die Intervention wurde einer dieser Ziegel zu einem feinen Pigment gemahlen. Rauch trug die daraus entstandene Farbe dann direkt auf die Wände in Form wiederholter runder Bögen auf. Ihre Form repliziert ein architektonisches Detail, die Zwillingsfenster der Fassade. Indem sie den Betrachter mit ihrer physischen Präsenz konfrontiert, lädt die vergängliche Natur des Werkes zu einem Moment der Reflexion ein.
Geometrie ist ein wesentliches Element in Andrew Moncriefs großen Leinwänden. Sie hilft, seine Gemälde über den Rand des Zweidimensionalen hinaus zu erweitern und verstärkt die Themen innerhalb des Rahmens. Seine Bildsprache verwirrt die Wahrnehmung und eröffnet einen Dialog über Sichtbarkeit vs. Unsichtbares, Präsenz vs. Abwesenheit. Es gibt einen inhärenten Aufruhr in diesen Gemälden, der nicht offensichtlich offenbart wird, aber subtil gefühlt wird, wenn man vor ihnen steht. Moncriefs Praxis bestätigt die Verpflichtung des Materials zur Modalität und zeigt, wie die materiellen Einschränkungen des Mediums gleichzeitig mit dem Nachdenken über andere konzeptionelle und räumliche Wege einhergehen.Rachel Isabels expressive Collagen sind sorgfältig zusammengestellt, um den Betrachter in ihre inneren Bedeutungen zu entführen. Die leidenschaftliche Präsenz ihres Werks Runnin’wild wird der ruhigen Energie in Exhale gegenübergestellt. Ihre digitalen Collagen und Mixed-Media-Techniken navigieren durch Themen wie Identität und Zugehörigkeit. Ein wichtiger Bestandteil ihrer Arbeit ist die Präsenz von Wasser, das als Medium dient, um Schwarzes Frausein, Fluidität und die Verbundenheit zwischen Körper und Umwelt zu erforschen. Mit diesen Themen schafft die Künstlerin digitale Collagen, bei denen die Schichten nicht nur bemerkbar, sondern notwendig sind, um die Bedeutung darüber hinaus zu erweitern.
Patrick Tagoe-Turksons Arbeit zeichnet sich durch die sorgfältige und absichtliche Transformation von Plastikmüll und weggeworfenem Gummi in lebendige und auffällige Farbkompositionen aus. Dieser Prozess ist ein prägendes Merkmal seiner Kunst. Seine Werke, aus der Serie Objects of Value, fesseln die Betrachter so, dass es schwerfällt, ihre ursprüngliche Form zu erkennen: Er nimmt Flip-Flops, die an den Stränden des Atlantischen Ozeans an der Küste von Süd-Ghana angetrieben wurden und verwandelt sie in kunstvoll komponierte Kunstwerke, die die Bedeutung des menschlichen Einflusses auf unsere Umwelt neu kontextualisieren und erweitern. Seine Arbeit stellt letztlich die Frage, wie Kunst Nachhaltigkeit fördern und zu einem Medium werden kann, um zurückzuerobern, zu transformieren und wiederherzustellen.
Kristian Askelunds große Leinwände verwenden ungewöhnliche Materialien, um uns eine andere Geschichte über den menschlichen Einfluss zu erzählen. Eine, in der Schönheit und Zerstörung denselben Raum bewohnen. Basierend auf Satellitenbildern der riesigen Tagebauoperationen in den Athabasca-Ölsanden in Kanada enthält sein Mixed-Media-Werk Frontier 6 genau das Material, das in dieser Gegend abgebaut wird: Bitumen. Zusammen mit einem weniger abstrakten Ansatz in der neueren Arbeit survey grid. cell 2 - 4. bringt er eine Art Unbehagen in das Werk, das den anthropogenen Einfluss auf unsere Natur in seiner rohen Form. Indem er dies in den Vordergrund bringt, stellt der Künstler eine Frage mit vielen möglichen Antworten und zeigt, dass unsere derzeitige Präsenz in der Welt in den Grauzonen liegt.
Zerstörung und menschliche Auswirkungen sind auch in Jeewi Lees minimalistischen Arbeiten präsent. Ashes To Ashes nimmt einen Waldbrand aus dem Jahr 2018 in Monte Serra, Italien, als Ausgangspunkt für ihre Seifenskulpturen, die aus Asche und Kohle der verbrannten Bäume des toskanischen Waldes geschaffen wurden. Sie stempelt jedes Seifenstück von Hand mit einem Stück verkohlter Rinde, wodurch Reste einer schlimmen Vergangenheit in der frisch gefertigten Seife hinterlassen werden. Damit verändert Lee nicht nur verkohltes organisches Material in eine skulpturale Form, sondern lässt den Ursprung des Materials – sein Trauma, seine Geschichte und Zerbrechlichkeit – die ästhetische und konzeptionelle Ausrichtung des Werkes bestimmen. Es thematisiert Regeneration und den Zyklus der Natur und stellt, indem es ein Material, das aus der Zerstörung unserer Natur hervorgegangen ist, neu kontextualisiert, eine der unüberwindbarsten Wahrheiten dar: Menschen können menschliche Zerstörung nicht überleben, aber die Natur kann es.
Elisabeth Jahrmärkers Praxis exemplifiziert die Spannung zwischen Intention und der Handlungsmacht des Materials, die besonders in ihrer Verwandlung von Baustellenresten sichtbar wird. Durch die Rekonstruktion solcher Materialien stellt sie deren Materialität und Geschichte als physische Objekte in den Vordergrund – sie lässt die Rohheit und Instabilität der Materialien sowie ihren prozessualen Charakter die endgültige Form des Werkes bestimmen. Jahrmärker übt nicht zu viel Kontrolle über das Medium aus; sie akzeptiert die Disposition der Materialien, und Auflösung und Rekonstruktion treten als Themen hervor. So zeigt ihr Werk den dynamischen Kampf zwischen Idee und Material, bei dem das Unvollständige und das Vergängliche zu Orten der Bedeutung werden. Aus demselben Interesse an diesen vergänglichen Räumen entspringen ihre fotografischen Werke.
Pako Quijadas Arbeit untersucht die Vergänglichkeit von Emotionen, Transformation und Erinnerung. In seinen Arbeiten geht er der Frage nach, wie Materialien – Landschaften, Fotografien und organische Elemente – Erinnerung, Trauma und Kunst vermitteln. Santuario (Sanctuary) zeigt Fotos, die an dem letzten Tag aufgenommen wurden, den er mit seiner Mutter in der Natur verbrachten, Monate bevor sie starb. Gedruckt auf Pergament und kombiniert mit gepressten Pflanzen in Lichtboxen, stellen sie die Frage, wie Objekte emotionale Last tragen. Der Film End & Away, der nach dem Tod seiner Mutter entstand, verwandelt Trauer in eine Pilgerreise und zeigt die Schwestern des Künstlers, wobei die Natur sowohl Zeuge als auch Teilnehmer an der Trauer ist. Quijadas Werke zeigen, wie Materialien Bedeutung formen, indem sie Medien, Erinnerung und persönliche Geschichte miteinander verweben und kraftvolle Erzählungen hervorrufen.
Kwang Sung Parks Kunst reflektiert über die Bedeutung von Avoir et être (Haben und Sein) und untersucht das Wesen des Lebens durch philosophische Überlegungen und die Materialität der Malerei. Er sieht Malerei als Ausdruck der Existenz und der Irrationalität des Lebens, wobei er auf östliche Tinten- und Waschtraditionen zurückgreift, bei denen der Pinsel als Erweiterung des Körpers und des Geistes des Künstlers fungiert. Parks Werk hebt die Malerei als einen Prozess der Aufzeichnung hervor, bei dem Bewegung, Erinnerung und materieller Widerstand zusammentreffen. Seine Praxis betont, wie Bedeutung aus der Spannung zwischen Ideen, Ausführung und den Eigenschaften der Materialien entsteht.
Es gab viele Bereiche, in denen die legendäre deutsche Künstlerin Käthe Kollwitz herausragte: Druckgrafik, Radierung, Bildhauerei, Malerei... Aber wenn es einen Bereich gibt, der sie zu einer der wichtigsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts machte, dann ist es die Weise, wie Materialität und Sujet so untrennbar miteinander verbunden sind, dass man sich keine andere Möglichkeit vorstellen kann. Der hier gezeigte Druck aus ihrem Zyklus Bauernkrieg wurde 1906 in der ersten Auflage geschaffen und nimmt das historische Ereignis des 16. Jahrhunderts als Inspiration. Kollwitz porträtierte den Krieg in vielen Medien während ihrer Karriere, aber erst mit ihrer Krieg -Serie (1918-1922/1923) war sie mit dem Material zufrieden, das sie benutzte, um diese Gräueltaten darzustellen. Auf diese Weise fasst dieses frühere Werk das Konzept von The Torment Of Matter perfekt zusammen, indem es die Spannung zwischen der Absicht der Künstlerin, den Themen des Werkes und seiner Herstellung zeigt und gleichzeitig die Vergangenheit mit der Gegenwart verbindet. Eine Künstlerin, die tief besorgt über die Auswirkungen des Krieges war und deren Werk nur wenige Jahre später vom Verlust ihres Sohnes während des Ersten Weltkriegs geprägt war, bietet ihre Arbeit als Reflexion, Warnung und rohe Darstellung der Qualen, die der Krieg mit sich bringt. Leider sind die Themen in ihrem Werk auch heute noch von Bedeutung.